16 de octubre de 2019

Agamenón de Esquilo, o la antigüedad del presente.



Cómo escribir una reseña que tiene como principal objetivo divulgar, apoyar e interesar a quienes la lean para presenciar una tragedia griega fechada en el 458 aC?
Se podrá evitar otra especie de tragedia que se produce cuando la comunicación no cumple el deseo de persuasión? Hagamos el intento.
Podemos decir que hay al menos tres buenas razones, no excluyentes, para ver este Agamenón, tragedia de Esquilo adaptada por Ingrid Pelicori que se estrenó un lunes de Septiembre de 2019 en La Comedia Teatro.
La primera es la codirección del espectáculo compartida por dos referentes que  pertenecen a distintas generaciones y que tal vez por ello potencian el resultado.                  Manuel Iedvabni, de quien sería inútil abordar aquí su aporte sin caer en omisiones e injusticias, solo mencionar que es uno de los principales referentes de nuestro teatro con más de 70 puestas de diversas poéticas desde mediados de los años 50 y Pablo Flores Maini que tiene amplia trayectoria no solo en el teatro independiente sino también en cine y TV.
En un contexto de teatralidad épica el montaje descarta elementos escenográficos y utiliza una permanente proyección de fondo que recrea el ámbito de la Grecia del período clásico con su coro de ancianos, lo que junto con la música hace de esta obra de Esquilo un espectáculo de lenguaje multimediático, visualmente atractivo pero sin perder hondura.
La segunda es la posibilidad de acceder a la continuidad  y permanencia de la variada gama de temas originales tales como las desdichas de la guerra, la sinrazón de las conquistas, la problemático de lo femenino pero todo esto sin esquivar la vinculación con las cuestiones eternas del poder, su vigente impunidad y en especial, como responden a esto las mayorías afectadas. Una tragedia pensada en la antigüedad pero que habla del presente.         
Y la tercera razón, no la más importante pero si la fundamental por tratarse de teatro, es acceder al potente registro de actuación que despliegan Ingrid Pelicori como Clitemnestra, Casandra y Coro y Osmar Nuñez como Agamenon, Egisto, Vigía, Mensajero, Corifeo y Coro.
Nunca más visibles y oportunas las palabras de Ricardo Bartis cuando postula elaborar en el cuerpo del actor “el yo poético por sobre el yo narcisista”.
No es muy frecuente en estos tiempos la posibilidad de dejarse atrapar por un impecable relato performático que evoca a la teatralidad antigua y eso solo es posible si se cuenta con los recursos de estos dos talentos de sólida ductilidad expresiva.
Esperando haber cumplido con la tarea de difundir una opción valiente y de gran calidad artística, invitamos a la experiencia Agamenón que nació en el pasado pero vive en el presente.        
Yo que vos…  
Agamenón de Esquilo
Dirección: Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini 
Elenco: Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez       
La Comedia Teatro, R. Peña 1062, CABA    
Sábados 20 hs.
Jorge Nicosia 
El Rescate – Lunes a las 20 hs.        
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La Medicina Tomo 1, fragmentos sobre nosotros y el MMH  
Después de sorprender este año con la puesta totalmente disruptiva de Potestad de Eduardo Pavlovsky, apelando al teatro Nō japonés y universalizando de ese modo la temática del represor, su sadismo y su propia locura, pensamos que nos daría un descanso. Pero no.
Norman Briski, evitamos redundar en detalles y elogios, escribió esta obra que, como no podía ser de otra manera, nos habla de la realidad creando un universo metafísico y cuestionando esta vez y a su manera lo que se conoce como Modelo Médico Hegemónico.
El MMH, construido conceptualmente por la sociología, desnuda los mecanismos, manifiestos y latentes, con los que los laboratorios medicinales y los profesionales médicos ganados por el ejercicio mercantil de la profesión descargan sobre sus pacientes mediante el poder que les otorga su saber. En ese modelo, el cientificismo biologista ha combatido y descalificado por ejemplo los saberes populares terapéuticos que se transmitían de generación en generación a fin de recetar productos para la rentable industria farmacéutica.  
El reverso del programa de mano tiene escritos los nombres de les actores con una letra casi ilegible tal como sucede muchas veces con las indicaciones de los profesionales. Si bien el MMH viene presentando fisuras gracias a las nuevas generaciones de médicos y auxiliares, es común no dar detalles de la patología o hacerlo en un lenguaje de gran complejidad y especificidad técnica que lo torna incomprensible para el paciente portador. Esto es particularmente nocivo en les adultos mayores.             
La estética de Norman Briski no es complaciente, implicará un interés y un esfuerzo por parte del espectador para descubrir todo lo que devela ese enfermero en su vinculación con lo humano y eso es precisamente lo que la hace tan atractiva y necesaria en esto tiempos de cierta pachorra consumista.
El mismo Norman diseñó un dispositivo escenográfico compuesto por una plataforma móvil accionada por los propios actores que va y viene sobre una fosa con azulejos hospitalarios blancos, iluminados con una mortecina luz de tubo. Les once actores, probablemente formados en ese reducto de resistencia poética que es Calibán con la impronta de Briski, actúan personajes fuertemente afectados y alejados del registro naturalista, lo que junto al dispositivo escénico conforman una unidad estética notable. Vaya como aporte no menor la música compuesta por Fito Páez
La provocadora nueva propuesta del Dr: Norma Briski (sic), es una muestra de experimentación, consecuencia y honestidad artística y una manera de concebir la producción de teatro que desafía la percepción e invita a superar el binarismo del “me gusta/no me gusta” para construir y formar un espectador diferente.           
 Yo que vos… 
La Medicina Tomo 1
Dramaturgia y dirección: Dr: Norman Briski         
Pacientes:
Wenceslao BejaranoMarcos JoakinFabiana KatzLiza Rule LarreaIgnacio López DiezSofía Magalí MolinariMarisa PicolloAlexis RellanGuillermo RiveraLaura TarchiniCarolina Vojvoditch       

Calibán, México 1428, CABA
Viernes 21 hs.
Jorge Nicosia 
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30 de septiembre de 2019



Cuantos fantasmas en un beso, o la realidad a pelotazos.
La música de La muerte y la doncella de Franz Schubert con arreglos de Gustav Mahler, funcionará como premonición.
El hermano mayor patea una pelota contra la pared. Una simple escenografía referencial recrea el patio trasero de una casa de “familia”, tal vez de un pueblo chico o del controvertido conurbano bonaerense. Allí se resienten y dificultan las posibilidades de bienestar material y de esa manera se ponen a prueba los límites y el tenor de las alternativas de salvación.
En ese contexto se va a desplegar una trama intensa que anoticia sobre vínculos afectados, traiciones, abusos, reproches, necesidad de un proyecto que de sentido al futuro y todo esto en un clima de violencia latente y explícita que llegará a un punto extremo que no vamos a develar aquí.
Quedaron atrás aquellos días en que se trataba a los sectores más vulnerables con indulgencia justificadora y la obra de Pablo Finamore nos acerca algunas preguntas más que interesantes: hasta donde se puede llegar para torcer la suerte?  Y, que síntomas aparecen en una estructura familiar (país?) cuando un padre (Estado?) opera por  ausencia? 
En Cuantos fantasmas en un beso, la responsabilidad individual y la incidencia de lo colectivo están presentes por igual a lo largo de toda la pieza.
Con una gran coherencia en el uso de los recursos teatrales, lo que le da a la propuesta unidad estética, se construye un clima crudo y áspero que tensiona y conmueve al espectador. Una historia a pelotazos enojados contra la pared, que golpean y resuenan tanto como la realidad.           
Yo que vos…  
Cuantos fantasmas en un beso
Dramaturgia y dirección de Pablo Finamore         
Elenco: Daniela Catz, Mateo Chiarino, Manu Fernández y Malena Finamore Catz       
Teatro Payró, San Martín 766, CABA          
Sábados 21.30 hs.
Jorge Nicosia 
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10 de septiembre de 2019

3 de septiembre de 2019



Un cuerpo salvaje
El que asiste al teatro tiene siempre ante sí el desafío y la posibilidad de correr los velos que cubren el o los enunciados ocultos de una obra. El des-cubrir y des-capar convierte a los públicos en activos participantes del hecho teatral, no ya por su sola e ineludible presencia para rubricar el pacto, sino por completar y reconfigurar el hecho creativo con los elementos de su razón y su sensibilidad.          Sabido es que, así como no hay dos funciones  exactamente iguales, cada cual sale de la experiencia teatral con su propio bagaje de descubrimientos y modificaciones.
La cartelera teatral independiente porteña se ve enriquecida con varias piezas de dramaturgistas argentinos, que van desde los inicios del siglo XX hasta la actualidad y allí se abordan y se examinan tanto problemáticas constitutivas de nuestro origen y nuestro destino,  tal el caso del ejercicio del poder para beneficio propio de las clases acomodadas (oligarquía vacuna ayer, burguesía sojero-financiera hoy) tejiendo esa construcción de riqueza privada y formación de subjetividad pública.        
Ubicada en el espacio de una estancia patricia de fines del siglo XIX, y en medio de los avatares de una familia que reproduce las conductas, a veces manifiestas y a veces sutiles, de desprecio por indios y peones que paradójicamente son quienes los sirven, Un cuerpo salvaje de Silvia Gómez Giusto puede ser entendida en sus múltiples vectores de significación;  la tensión universal entre deseos y convenciones, la sublimación de lo europeo, los vínculos opresivos, las contra tendencias liberadoras, el despertar sexual, las ambiciones desmedidas y la imposibilidad de reprimir algunas aristas de lo humano encorsetadas por la cultura.
Si como aprendimos de nuestros maestros, el teatro se hace con teatro, es destacable en principio el cuidado puesto en la  escenografía que fragmenta los diferentes espacios sin perder unidad y un vestuario de época que respeta hasta los mínimos detalles.
A lo dicho debe sumarse la materia prima esencial del teatro, sin la cual no habría acontecimiento, y esto es el excelente grupo de actrices y actores, dirigidos con maestría, que conforman esa familia en crisis y a la que un elemento externo que actúa como disparador los llevará  a exponer todas las represiones y atavismos que, en vano, tratan de ocultar. Para disfrutar con intensidad y para desvelar nuestra historia y entender algunas claves del presente, una muy buena opción es ir al teatro a ver Un cuerpo salvaje.
Yo que vos…  
Un cuerpo salvaje
Dramaturgia y dirección general: Silvia Gómez Giusto     
Elenco: Jazmín Falak, Virginia Kaufmann, Rafael Solano, Silvina Katz, Cecilia Marani, Lucia Villanueva, Manuel melgar, Mauro Álvarez, Flora Riviére, Matías Broglia         
Espacio Callejón, Humahuaca 3759, CABA
Viernes y Sábados 22.15 hs.
Jorge Nicosia 
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28 de agosto de 2019



Anita o la tragedia de las partes
En este mundo interconectado, multidependiente e hipervinculado se extendió una contracción lingüística que sin ser novedosa es oportuna, en mayor o menor medida se ha profundizado nuestra condición de sujetos “glocales”, es decir globales y locales a la vez.
El arte en general, y en especial el teatro, nunca estuvo ajeno a esta situación y los dilemas existenciales, amorosos o políticos siempre se originaron desde alguna particularidad localizada para devenir en universales.
Esta breve digresión tal vez sea una excusa para abordar uno de los tres trabajos en cartelera de Luis Longhi (Enrique y Stefano), que se titula Anita o la tragedia de las partes.
Sostén del teatro nacional, miembro de la academia del lunfardo, bandoneonista, actor premiado, director y dramaturgo, Luis Longhi se atreve a escenificar la complejidad de las peores motivaciones humanas, las del micro poder que cautiva al subordinado, los sutiles e imperceptibles gestos de dominación y lo hace mediante un dispositivo similar al de una matrioska o un rompecabezas, que se va develando poco a poco en un ingenioso juego que, al tratarse de teatro, combina por duplicado la realidad y la ficción.
Anita no tolera el diminutivo, no acepta la menor fisura en su deseo de controlar y someter, y ara eso trama un plan diabólico que no puede terminar de otra manera que en tragedia. En un trabajo destacado de Maia Francia, Anita erotiza, seduce y manipula hasta llegar a una lograda escena final que sintetiza la clave de la obra.
Un aspecto central para sostener el clima es la música ejecutada en vivo por un cuarteto de cuerdas que aporta, junto con las pinturas expuestas en escena, refinamiento, coherencia estética y rasgos de universalidad.
Anita o la tragedia de las partes es una iniciativa teatral independiente y de autogestión para ser disfrutada en sus diferentes niveles de significación; inteligente, cuidada hasta en sus menores detalles y para cualquier tipo de público dispuesto a celebrar el acontecimiento del buen teatro.    

Anita o la tragedia de las partes     
Dramaturgia y dirección general: Luis Longhi        
Elenco: Maia Francia, Pablo Sórensen, María Viau y Sebastián Politino
Música y dirección musical: Juan Ignacio López    
Teatro El Tinglado, Mario Bravo 948, CABA          
Sábados 18 hs.
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15 de agosto de 2019



Neva, el arte y la realidad

Situada en el contexto de la fracasada Revolución Rusa de 1905, con la referencia  escénica a Olga Knipper, la atribulada actriz y esposa de Antón Chejov, Neva apela al recurso del teatro dentro del teatro con una mirada crítica y polémica sobre la creación artística y su vinculación con el contexto social y político. Nunca más necesaria y oportuna.   
El espectador será sorprendido por una puesta en escena refinada, sensible y provocadora. Yo que vos…      

Neva, de Guillermo Calderón
Dirección: Hernán Márquez
Elenco: Natalia Laphitz, Laura Wich y Federico Grinbank
Teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549, CABA
Domingos 20 hs.  

Jorge Nicosia
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Prueba y Error, vínculos en crisis sin mediaciones.

Programada en el año 2017 como parte del FIBA, Prueba y Error con dramaturgia y dirección de Juan Pablo Gomez conmociona desde la hermosa, y todavía poco conocida, Sala Redonda del CC 25 de Mayo (el teatro de mi barrio), y es otro gran acierto de programación en el circuito oficial de una producción originada en el ámbito del teatro independiente.    

Alejada del naturalismo en cuanto al diseño del espacio donde se desarrolla la trama, sin esconder ni delimitar el atrás de escena utilizando al máximo las posibilidades de la sala y con un trabajo destacado de actores, actrices y de dos asistentes que participan sin ocultar el artificio, la pieza alcanza momentos de intensidad notables que impactan por su violencia y su verdad.

El principal aporte no sea tal vez reflejar la profunda crisis que atraviesan los vínculos y las relaciones humanas en esta sociedad y en estos tiempos, ni proponer la necesidad de recuperar los afectos, el cuidado y el interés por el otro como se sintetiza en la escena final;  lo que hace de la pieza un hecho destacado es el camino elegido para teatralizar esta situación, provocando la percepción de los espectadores y sosteniendo una propuesta de teatro que sin eludir riesgo logra un resultado de gran calidad artística.     
Yo que vos…         

Prueba y Error, creación de la Compañía Un Hueco y coproducción con Cartonero Gondry.
Dramaturgia y dirección: Juan pablo Gómez
Elenco: María Luz Silva, Alejandro Hener, Anabella Bacigalupo, Mariano Sayavedra, Patricio Aramburu
Asistentes de Escena: Alejandro Ruaise, Ángeles Pique 
CC 25 de Mayo, Av. Triunvirato  4444, CABA
Sábados 21 hs.  

Jorge Nicosia
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7 de agosto de 2019




Trastorno o Pompeyo lo hizo de nuevo.

Un piano, y sobre él un busto paterno que será máscara, un espejo, dos pequeños muñecos, un cajón y una luz siempre tenue son los únicos elementos escenográficos que necesitaron Pompeyo Audivert y Andrés Mangone para crear un mundo familiar afectado por la hipocresía, la mentira, el ejercicio del poder y el odio de clase que fue, y sigue siendo, uno de los rasgos constitutivos de las clases dominantes en esta parte del planeta.

Para quien no ha visto nunca la teatralidad de Pompeyo, sostén de la dramaturgia rioplatense, Trastorno será tal vez la mejor manera de iniciar el vínculo con uno de los directores más personales del teatro nacional.
Y para quienes han podido acceder a sus trabajos anteriores, esta pieza será reveladora, una vez más, de sus preocupaciones y de su compromiso político y estético.

La propuesta tiene varios hallazgos: la sutil y potente composición del propio Audivert en el personaje de Rosario, una madre viuda, desquiciada y siniestra de la oligarquía vernácula que encarna el cinismo y el ocultamiento que recorre toda la trama; el fantasma de Nietzsche que sobrevuela en varios pasajes de la obra al reflexionar sobre la verdad y sobre Dios; el humor, la tragedia y la intriga que conviven de manera armoniosa y porque no, la convicción de impunidad que siempre rodea al poder.

Una notable y aguda observación, alejada de todo maniqueísmo, resulta en cómo se reproducen abajo las conductas y subjetividades de arriba, y esto se teatraliza de manera notable en el trabajo corporal y en la voz de Julieta Carrera como Titi, la criada genuflexa y cómplice.
En un clima de intriga que se sostiene desde el inicio hasta el final, con un registro estético neogrotesco alejado del realismo pero que alude literalmente a la historia y a la realidad circundante, Trastorno es otro acierto en la programación del Centro Cultural de la Cooperación y una muestra acabada del mejor teatro popular de calidad que tiene mucho para decirnos en estos tiempos de deriva. Yo que vos…

Trastorno, un culebrón metafísico. Versión libre de “El Pasado” de Florencio Sánchez
Elenco: Pompeyo Audivert, Juan Manuel Correa, Pablo Díaz, Ivana Zacharski, Fernando Khabie, Julieta Carrera, Fernando Naval
Dirección: Pompeyo Audivert y Andrés Mangone

Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini,
Av. Corrientes 1543. CABA
Viernes y Sábados a las 20 hs.

Jorge Nicosia
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Karamazov, el universo personal de nuestro César          
 
Adaptar una novela que ya forma parte del patrimonio cultural de la humanidad no es tarea sencilla, y hacerla teatro implica un desafío aun mayor. Dostoievski escribió Karamazov hacia 1880 poco tiempo antes de morir y habiendo vivido una circunstancia personal inexplicable como lo fue la muerte de uno de sus hijos.
Aquí no vamos a ponderar la autoría ni el valor del texto original sino el tratamiento y la teatralización que nos propone Cesar Brie en una nueva apuesta personal que sube la marca respecto de sus últimos trabajos.

La pieza aborda dilemas universales que carecen de respuesta unívoca: el amor, el parricidio, la fe, la culpa y no es menor en esta versión, las preguntas sobre lo que hicimos y hacemos con nuestros niñes;  tres muñecos de aspecto casi siniestro observan a modo de amenaza toda la obra hasta ocupar un lugar central.     
Desde el comienzo hasta el final se despliegan todas las herramientas posibles que ofrece el teatro para construir un universo poético de gran refinamiento que impacta desde lo visual y se sostiene sin fatiga por dos horas.

El teatro independiente argentino cuenta con una notable camada de excelentes actores y actrices jóvenes, con sólida formación, que en este caso es otro gran acierto para dar carnadura a los personajes y sus conflictos.
Escenas de alto impacto emotivo en un clima de encantamiento y en un espacio atemporal hacen de Karamazov una alternativa casi obligada que abona en estos días lo mejor del teatro independiente. Yo que vos…      

Karamazov, adaptación teatral de la novela de F. Dostoievski y dirección de Cesar Brie
Elenco: Emiliano Dionisi, Fernando Bender, César Brie, Germán Fonzalida, Iván Hochmann, Gabriela Ledo, Abril Piterbarg y Florencia Michalewicz.
Música original: Pablo Brie

El galpón de Guevara. Guevara 326. CABA
Sábados 20 hs. hasta el 28 de Noviembre. Alternativa Teatral

Jorge Nicosia
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En la pampa esta noche, una obra de teatro chiquita?   

Ya sea por su duración, por un enunciado sencillo, por recursos escenográficos mínimos o por su simpleza, vulgarmente se suele referir a ciertas propuestas, especialmente del teatro independiente,  como “obras chiquitas”, como si la valoración de las expresiones artísticas se definiera por su tamaño. En ese caso el Guernica de Picasso es más obra que una pequeña acuarela de J.M.W. Turner, o en la música “Yesterday” es mejor canción que “Guitarra dímelo tú” de Atahualpa Yupanqui.

La difusión y el respaldo de la industria cultural a ciertos productos no define la calidad artística, ni la complejidad es una variable comparativa para la valoración y podemos discutir que muchas veces se verifica distancia y hasta contradicción entre lo masivo y lo popular.

La obra “En la pampa esta noche”, con texto de Luis Loyola Cano y dirección de Lorena Ballestrero aborda una historia de amor donde lo que se escenifica es tan profundo y tan grande como la pampa imaginada y sugerida en su título.     
Con escasos recursos escenográficos y de vestuario, se sostiene en las muy buenas actuaciones de dos actores que viven un amor afectado por la rutina, amenazado por un mundo en debacle y que tiene la posibilidad de rehacerse a partir de las fantasías e ilusiones de Dani y Luís, dos hombre enamorados.

No son necesarios mucho más que esos elementos para que se produzca un hecho teatral de refinamiento estético, sin mayores y no menores pretensiones que visibilizar las variantes del amor y apuntar a la emoción y a la sensibilidad de los espectadores, lo que en estos tiempos no es para nada una tarea “chiquita”. 
 Yo que vos…         

En la pampa esta noche.
Dramaturgia de Luis Loyola Cano y dirección de Lorena Ballestrero 
Elenco: Dani Ale Ojeda y Pablo Kusnetzoff
Teatro El Extranjero,  Valentín Gómez 3378 CABA

Jorge Nicosia
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